Algunas películas están llenas exclusivamente de idiotas. Estos son los mejores.

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La mayoría de las películas ofrecen al menos un personaje al que apoyar, pero hay unas pocas que no lo hacen, y son mucho mejores por ello.

Es una falacia que los personajes de ficción tengan que ser agradables, pero incluso las películas más oscuras o prohibitivas suelen ofrecer a alguien a quien apoyar, ya sea un héroe cruzado o una última chica. Por lo general, es necesario que haya una figura en la que podamos depositar nuestras esperanzas o en quien veamos reflejado lo mejor de nosotros mismos. Pero ¿qué pasa con esas películas que están completamente pobladas de canallas en todos los niveles? Si terminan sintiéndose como competencias de resistencia, ¿es un error o una característica? ¿Terminamos identificándonos con alguien (cualquiera) por defecto? O, lo que es aún más interesante, ¿tener un conjunto formado principalmente por monstruos desagradables realza las malas vibraciones o las diluye?

Bienvenidos a la semana de los idiotas

No hay nada como un personaje que te encanta odiar. Damas y caballeros, es la Semana de los Jerks en The Ringer. Vote por sus favoritos en la categoría de Mejores idiotas de la cultura pop y vuelva a consultar durante la semana para ver una selección de historias sobre uno de los arquetipos más subestimados.

Algunas narrativas se prestan a este tipo de situaciones; por ejemplo, los asesinatos misteriosos al estilo de Agatha Christie, con su necesidad inherente de sospechosos plausiblemente malévolos y posibles cadáveres frescos. Pero como sería demasiado fácil buscar títulos en las aventuras recopiladas de Hércules Poirot y Benoit Blanc, hemos decidido (principalmente) mirar más allá del género que entonces no había ninguno para centrarnos en películas que son, por alguna razón, casi exclusivamente infestado de personajes sarcásticos, desagradables o odiosos: el equivalente cinematográfico de las tiendas idiotas, abiertas al público.

En la escena final de The Social Network, un asistente legal interpretado por Rashida Jones le asegura a Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) que en realidad no es un imbécil. Tiene derecho a tener su opinión, al igual que Aaron Sorkin, quien ganó un Oscar por poner en su boca palabras tan indulgentes, pero el placer del mito del origen de Facebook de David Fincher radica en su estudio elegantemente compartimentado de la maldad (masculina). Por ejemplo, el acto introvertido e inexperto de Mark parece casi comprensivo al lado de los titulados gemelos Winklevoss, quienes a su vez parecen casi nobles después de defender su caso ante el empalagoso presidente de Harvard. Cuando el amigo de Mark, Eduardo Saverin (Andrew Garfield), felicita burlonamente al magnate de Napster, Sean Parker (Justin Timberlake) por verse genial en comparación con ellos, es un desprecio perfectamente en sintonía con la atmósfera de odio de los hombres beta. Al final, la película sugiere que la razón por la que estos idiotas cambiaron el mundo fue que sus miedos y deseos eran, en última instancia, bastante universales: escribieron el algoritmo que nos ayudó al resto de nosotros a aceptar nuestro peor yo, un clic a la vez.

“¿Dónde se cría la elegancia? ¿En el corazón o en la cabeza?

De todos los acertijos planteados por el magnate de los dulces interpretado por Gene Wilder en el clásico de fantasía de Mel Stuart de 1971, esta consulta puede ser lo más parecido a una llave maestra para desbloquear el significado de la película. Sugiere, generosamente, que la imaginación es una cuestión de naturaleza versus crianza. Lo mismo ocurre con las sacudidas: los niños casi uniformemente insoportables que recorren la fábrica de Wonka están acompañados por padres que se complacen e incluso celebran sus rasgos más tóxicos, lo que a su vez alivia la tortura de una variedad de Oompa-Loompas. (No es coincidencia que la película fuera escrita por David Seltzer, quien aprovechó su habilidad para dibujar niños pequeños memorablemente horribles en la franquicia Omen.) Como la monstruosamente elegante Veruca Salt, considerada correctamente por su anfitrión como un "huevo podrido" antes desapareciendo en un tiroteo de basura: Julie Dawn Cole (que tenía 13 años en el momento de la filmación) fue lo suficientemente sarcástica como para inspirar a una de las bandas riot grrrl más geniales de los años 90 a rockear en su nombre. Además, no subestimen la amenaza bellamente modulada de la actuación de Wilder, que perduró más allá de la versión más sentimental de Johnny Depp y pone el listón desalentadoramente alto para Timothée Chalamet esta Navidad.

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La broma del cameo de Emma Watson en la comedia postapocalíptica de Seth Rogen y Evan Goldberg This Is the End es que ella es básicamente la única celebridad decente que sigue en pie después del fin del mundo tal como lo conocemos; El remate es que, según se informa, en la vida real, la actriz estaba tan consternada por el contenido del guión (específicamente la insinuación de que los personajes interpretados por Danny McBride y Channing Tatum (al igual que Watson, interpretando versiones de ellos mismos) eran caníbales) que casi se salió del camino. colocar. Rogen continuó diciendo que no había resentimientos persistentes, pero aun así es gracioso que una película basada en el concepto satírico de que los monstruos y geeks más queridos de la era de Apatow eran perdedores venales y socialmente ineptos terminara adquiriendo una posición casi Dimensión documental. Dejando a un lado la alegoría involuntaria, This Is the End está repleto de citas y cameos memorablemente odiosos, incluido uno del mismísimo Michael Cera, quien abofetea (y es abofeteado por) Rihanna y sopla cocaína en la cara de Christopher Mintz-Plasse mientras está vestido con una cazadora. La recompensa del canadiense de voz suave por robar la película es sufrir probablemente su muerte más sangrienta en pantalla, un honor que se merece con creces.

En verdad, podría haber optado por cualquier cantidad de películas de los hermanos Coen aquí: incluso si no consideramos a ninguno de sus coprotagonistas, Walter Sobchak de John Goodman en El gran Lebowski es el equivalente minorista de la tienda de idiotas. el suyo, mientras Inside Llewyn Davis sondea las profundidades espirituales del narcisismo del niño triste para emerger con perlas de empatía ganada con tanto esfuerzo. Anton Chigurh no sólo es un asesino mercenario, sino que incluso dispara a una paloma inocente al costado de la carretera. Etcétera. Pero la comedia de espionaje criminalmente subestimada de 2008 Burn After Reading es probablemente el ideal platónico de la sátira mezquina, su cáustica visión del mundo resumida maravillosamente por el fantasma desclasificado de la CIA de John Malkovich, quien se refiere a sus rivales como una "liga de imbéciles". Nunca antes tantas celebridades se habían esforzado por ser desagradables: tenemos a un cobarde George Clooney, una intimidante Tilda Swinton, una Frances McDormand que se odia a sí misma y un felizmente idiota Brad Pitt, cuyo dominio sobre la inocencia del chico bonito se ve comprometido cuando él decide cobrar un “impuesto del buen samaritano” por devolver bienes robados. En caso de que algo de esto se nos pase por alto, JK Simmons y David Rasche están disponibles como demonios de la comunidad de inteligencia que sirven como una especie de coro griego fulminante, narrando el desastre en curso con un desapego burocrático bien practicado.

En la secuencia más desgarradora de la épica de terror diurno Midsommar de Ari Aster, una película que presenta escenas de muerte por envenenamiento por monóxido de carbono y traumatismos contundentes, así como vivisección póstuma, un ambicioso estudiante de antropología hace lo impensable: secuestra el tema de tesis de su compañero de clase. en su cara y trata de hacerlo pasar como un acto de honestidad radical. "Quería decírtelo primero, para que no pareciera que no te lo estaba diciendo", le dice Christian (Jack Reynor) a Josh (William Jackson Harper), quienes han venido a Suecia para observar una serie de extraños sucesos paganos. rituales. Para cualquiera que haya asistido alguna vez a un simposio académico (y después haya ido a tomar unas copas), este comportamiento es escalofriante; Cuando Rebecca Onion de Slate escribió que los verdaderos villanos de Midsommar eran los estudiantes de posgrado, no estaba bromeando. Al igual que Hereditary y Beau Is Afraid, la película merece crédito por transmitir una veta satírica sarcástica a través de sus grotescas groserías. Aster nunca pierde la oportunidad de mostrar a sus personajes europeos como una raza particular y de pedigrí de estadounidenses feos: farsantes pseudointelectuales que confunden aprensión con superioridad y terminan como la materia prima de su propio estudio etnográfico hipotético. El hecho de que no nos sintamos tan mal por sus destinos cuidadosa y fatalmente manejados sugiere que se lo merecían o que el sadismo cómico de Aster puede ser contagioso.

Hay mucha televisión por ahí. Queremos ayudar: cada semana, le diremos los mejores y más urgentes programas para transmitir para que pueda mantenerse al tanto del montón en constante expansión de Peak TV.

Pink Flamingos, de John Waters, una de las películas estadounidenses más alegremente transgresoras jamás realizadas, presenta un elenco de supuestos sociópatas que compiten por el título no oficial pero muy codiciado de "la gente más sucia del mundo". Como eventual campeón indiscutible, Babs Johnson, el enorme paria de Divine, es tan hilarantemente desagradable que se labra su propio lugar en la historia del cine. Estructurado como una especie de inventario de obscenidades (con cada escena sucesiva elevando (o bajando) el listón del mal gusto), Pink Flamingos pasó por alto la junta de clasificación de la MPAA, y su factor de curiosidad fue decisivo para convertir a su incipiente distribuidor independiente, New Line Cinema, en el creador de tendencias más vanguardista de la época. En cierto modo, “imbécil” es una palabra demasiado débil o demasiado dura para los personajes de Waters, cuyos complejos y fetiches (incluido un acto culminante de comer mierda (auténtico) que desdibujó la línea entre lo escandaloso del cómic y el documental) recorre el gama de los siete pecados capitales (y más allá). Al abordar tantos tabúes de frente (y negarse a distinguir plenamente entre toxicidad y idiosincrasia abierta), Waters y su sociedad anónima de Baltimore se convirtieron en un símbolo improbable pero potente del triunfo del bricolaje.

No es exactamente sorprendente que James Cameron esté tan bien educado en el camino del idiota: se necesita saber algo y todo eso. La mayor parte del tiempo, lo que está en juego en sus películas es tan apocalípticamente alto que no hay tiempo para sutilezas y, sin embargo, todavía hay personajes cuya mezquindad va más allá del cumplimiento del deber. Además de sus otras virtudes como psicodrama maternal y alegoría de Vietnam, Aliens es una verdadera obra maestra de posturas desagradables, que presenta dos irritantes muy diferentes, igualmente de primer nivel: el gruñido bocón de Bill Paxton, Hudson, al que se presenta preguntándole a Vásquez de Jenette Goldstein si alguna vez ha estado confundido con un hombre y obteniendo exactamente la respuesta que merece, y el congraciador títere de la compañía de Paul Reiser, Burke, quien manipula a Ellen Ripley de Sigourney Weaver para que la acompañe en una supuesta misión de rescate militar con la esperanza de embarazarla con alguna descendencia extraterrestre. Paxton retomaría el arquetipo del perdedor cobarde para Cameron unos años más tarde en Mentiras verdaderas, mientras que Reiser tiene una presencia tan maravillosamente falsa que es sorprendente que terminara como una simpática estrella de comedia. Cuando Burke lo muerde, es el momento que más agrada al público de toda la película.

Cuando el viejo vengador de Detroit, interpretado por Peter Weller, se enfrenta a un delincuente diciendo: "Tu movimiento, asqueroso", podría estar hablando con prácticamente cualquier otra persona en la película. Escrito como una perversa parodia de cómic de la política y la retórica de la era Reagan, así como de los tropos cromados de la producción de Hollywood posterior a Star Wars, RoboCop hace alarde de lo que podría llamarse una sacudida de goteo; la podredumbre moral comienza desde arriba y resulta no tener fondo. El más elevado de los monstruos de la película es el Viejo (Dan O'Herlihy), el director ejecutivo de cuello blanco y cuello blanco de OCP (Omni Consumer Products); su indiferencia hacia todo excepto las ganancias genera el tipo de vacío moral en el que un luchador insensible como Bob Morton (Miguel Ferrer) puede presentar con éxito un proyecto piloto que involucra a policías muertos reciclados o hacer una presentación en una sala de juntas en la que un ejecutivo junior muere debido a algún hardware defectuoso ( No es que a nadie le importe). La película de Paul Verhoeven no es sutil a la hora de criticar la cultura corporativa: el principal lugarteniente del Viejo (Ronny Cox) se llama literalmente Dick, un apodo que se ladra con entusiasmo decidido en cada oportunidad. Y ni siquiera hemos mencionado al magníficamente maligno narcotraficante Clarence Boddicker, interpretado por Kurtwood Smith, el de las frases ingeniosas que se citan sin cesar (“Perras, váyanse”). Supuestamente, Verhoeven hizo que Smith usara gafas porque le hacían parecerse al infame nazi Heinrich Himmler.

Lanzado a finales de 2015, unos meses después de que Donald Trump lanzara oficialmente su sombrero MAGA al ring presidencial, el octavo (y medio) largometraje de Quentin Tarantino parecía canalizar y advertir simultáneamente contra una tormenta que se avecinaba. Aunque rara vez se lo promociona como un cineasta con conciencia política, QT siempre ha tenido un sentido instintivo del espíritu de la época, y The Hateful Eight impresiona y rechaza como retrato de un país dividido a través de una serie de fallas raciales, culturales e ideológicas. La yuxtaposición de la iconografía posterior a la Guerra Civil y el distanciamiento anacrónico sugiere que el pasado conflictivo de Estados Unidos está superando su futuro supuestamente progresista. Aquí, la gran emancipación prometida por Abraham Lincoln es una falsificación; “El único momento en que los negros están seguros es cuando los blancos están desarmados”, suspira el cínico justiciero interpretado por Samuel L. Jackson. En manos de otro cineasta, una sociología tan terrible podría haber sido sentimental o melancólica, pero Tarantino mantiene las cosas animadas manteniendo a sus personajes horribles, permitiendo que expertos masticadores de escenarios como Tim Roth y Bruce Dern se estilicen en viles caricaturas. El MVP, sin embargo, es Jennifer Jason Leigh, quien interpreta a la gángster rueca Daisy Domergue con suficiente genio quisquilloso que el resto del elenco apenas puede seguir el ritmo. A lo largo de la película, el personaje de Leigh es objeto de burlas, insultos y bofetadas por parte de un grupo de malos cuyo odio está teñido de miedo, o tal vez al revés. Daisy es despiadada y aterradora, pero también increíblemente molesta. E inolvidable.

"El policía no pudo encontrar su pene con las dos manos y un mapa", se burla Dave Moss, el vendedor de bienes raíces de Ed Harris, después de ser interrogado por la policía en Glengarry Glen Ross. Podrías observar con una lupa cada fotograma de la obra maestra de las malas vibraciones de James Foley sin localizar una pizca de empatía. La pregunta no es si los empleados de Premier Properties, diligentes y perpetuamente quejosos, se encuentran, como dice sarcásticamente su superior, en un “ruido duro”, sino si han logrado conservar su humanidad a pesar de la rutina. Alerta de spoiler: no lo han hecho, y el espectro de misantropía que representan no tiene comparación en el cine estadounidense contemporáneo. Elige a tu luchador: el gruñón e hipócrita Moss, que manipula a su tonto compañero de trabajo (Alan Arkin) para que se convierta en cómplice de un robo antes de que ocurra; el mefistofélico Richard Roma de Al Pacino, dispuesto a arruinar completamente la vida (y el matrimonio) de un cliente por una comisión de 6.000 dólares; el empalagoso director de oficina John Williamson (Kevin Spacey), vibrando de desprecio por su equipo y por sí mismo; el feroz reparador corporativo de Alec Baldwin, que afirma llamarse "Fuck You"; o Shelley “The Machine” Levene, la miserable y marchita veterana interpretada con brillantez y autodesprecio por Jack Lemmon. En lugar de utilizar a Shelley como un héroe (o víctima) trágico, David Mamet hace que el personaje más débil y vulnerable de la historia sea exactamente tan imbécil como sus (marginalmente) colegas más exitosos, lo que culmina en un monólogo cruel y desahogador que evoca una ruptura. los delirios de grandeza del hombre (y la mezquindad subyacente) con un naturalismo asombroso.

Adam Nayman es crítico de cine, profesor y autor que reside en Toronto; su libro Los hermanos Coen: este libro realmente une las películas ya está disponible en Abrams.

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